EL cinéfilo sarnoso también festeja a las madres en su día !

Les comparto la tarjeta que le voy a regalar a mi señora madre.

La hora del lobo: el descenso a la locura

Dirección: Ingmar Bergman
Guión: Ingmar Bergman
Fotografía: Sven Nykvist
Edición: Ulla Ryghe
Música: Bach, Mozart
Intérpretes: Liv Ullmann, Max Von Sydow, Erland Josephsson
Origen: Suecia, 1968
Aspecto en pantalla: 1.33:1
Duración: 89 min.
DVD: MGM

3 de la mañana. La hora del lobo. La hora ideal para morir. La hora trágica para nacer. La hora en que despertamos aterrados por las pesadillas y en la que no es posible conciliar de nuevo el sueño. La hora en que el inconsciente da rienda suelta a los demonios que ignoramos durante el día.

En una remota isla, un pintor vive atormentado por alucinaciones en las que se aparece una vieja amante y que llega a compartir con su propia esposa al extremo de intentar asesinarla.

Sorprendente (y atemorizante) cinta de horror gótico de Ingmar Bergman en la que lleva a extremos enloquecidos la de-construcción de su cine que había iniciado con Persona (1966) y en la que, aprovechando el rechazo de Liv Ullmann para convertirse en su esposa a pesar de encontrase embrazada, crea una compleja cinta sobre los fantasmas y demonios que anidan en la mente de los artistas. Me pregunto cuantos de estos demonios, cuanta de la culpa de su protagonista principal (Max Von Sydow) tuvo un carácter autobiográfico. Y cuantos de nosotros seríamos capaces de compartir nuestra propia y miserable demencia, de exponerla ante el otro y demostrarle que lo poco de bondad, lo poco de ternura y compasión que anida en nuestro corazón, nunca podrán compararse con la crueldad, la violencia, la enfermedad y la perversión que están ahí, esperando para explotar en el rostro de aquellos que dicen amarnos.

Como de costumbre, la fotografía de Sven Nykvist es extraordinaria. No deja de sorprenderme la capacidad de este señor para crear mundos insólitos con recursos tan limitados como los que se pueden apreciar en la galería de fotos incluida en l dvd.

Por cierto, en el muy interesante documental sobre la realización de la cinta, los clips se presentan en formato widescreen, mientras que la película se encuentra en formato estándar de televisión. Que manera de echar a perder lo que de otra manera es una versión impecable.

Memorias cinéfilas I : La croqueta, crónicas de la guarrez ochentera

A mediados de los años 80 surgió un movimiento (peristáltico) de moneros en Guadalajara que sacudieron el anquilosado mundo de la caricatura nacional con su tratamiento desmadroso, irreverente, o de plano ofensivo de casi cualquier tema.

Jis, Trino, Falcón, y en menor medida Josel, Julio Haro, Toño Márquez y Carlos Esegé, dieron rienda suelta a su perversión imaginación creando mundos enloquecidos en los que era posible encontrar a Jesucristo denunciando a Judas por traficar con cocaína hasta consejos prácticos para verle los calzones a las abuelitas.

Originalmente publicadas en la dulcemente titulada sección La croqueta: Humor perro del periódico La Jornada, los cartones de este conjunto de degenerados hombres iluminados se publicó a manera de libro en 1989 por Editorial Posada. Dicha compilación nunca fue reeditada y al haber sido impresa en papel del más corrientito (bien pinche madreado, pa’ que me entiendan), se encuentra en proceso de olvido.

Pero como el cinéfilo sarnoso pretende recuperar para futuras generaciones estas perlas de sabiduría, se dio a la tarea de escanear las tiras que aún no han sido destrozadas por el paso del tiempo.

Ojalá las disfruten.

Cruz y ficción:


Pitos y puchas:


Guía básica para suicidas:

Génesis: El horror en el cuerpo, el inicio de la vida

Dirección: Nacho Cerdá
Guión: Nacho Cerdá
Fotografía: Xavi Jiménez
Edición: Luis de la Madrid
Efectos visuales: Ernesto Calvo
Intérpretes: Pep Tosar, Trae Houlihan
Aspecto en pantalla: 2.35:1
Origen: España, 1998
Duración: 30 minutos

*

Un solitario escultor usa los trágicos recuerdos de la muerte de su esposa para recuperar, aunque sea a manera de efigie, el rostro y el cuerpo de la mujer amada. Pero la piedra se resiste a mantenerse quieta y silenciosa, transformándose poco a poco en sangre, piel y carne. Pero la carne tampoco sabe permanecer, mudando poco a poco, como larva apocalíptica, en una masa doliente de piedra.

Melancólico cortometraje de Nacho Cerdá en el que nos presenta su muy personal punto de vista en cuanto a la imposibilidad de los amantes para trascender la muerte. A partir de la historia de este escultor podemos, además de una trágica historia de amor, una aguda relexión en cuanto a lrelación del creador con su obra, el como sólo se puede infundir vida a los objetos a partir del sacrificio de la propia vida.

Narrada magistralmente sin diálogo alguno (el silencio es el lenguaje de la tragedia), Nacho Cerdá nos deslumbra con una obra que se aleja de toda clasificación y que merece ser vista por todos aquellos que han vivido y que viven cotidianamente la pérdida del objeto amoroso.

Como no me resultó posible encontrar un fragmento en video de esta cinta, por lo menos incluyo el trailer del primer largometraje de este director el cual nos permite apreciar su peculiar estilo visual.

Y por cierto, fanáticos de la interpretación, no hay que confundir el símbolo literario con la imagen cinematográfica.

Quiero ver estas películas, quiero verlas ahora!!!

Recomiendo visitar el site www.worth1000.com, una delicia para los fanáticos del Photoshop.

Volviendo al remedo de realidad: fin de vacaciones, inicia la tortura

Después de dos semanas de asueto no queda sino volver a la chinga de todos los días, al trabajo repetitivo e inútil, al las clases impartidas cual mudo ante un montón de sordos. Pero así es esto de tener que pagar luz, teléfono, gas y montones de dvd’s.

Y me pregunto si tiene caso seguir haciendo reseñas de películas que casi nadie ha visto y que probablemente no pasen más allá de un pequeño círculo de ociosos que encuentran más excitante la luz del rayo catódico que el contacto con la piel ajena.

Porque al fin y al cabo, ¿para que sirven los blogs si no es para vomitar la personal locura cotidiana?. En ese caso mi demencia va mucho más allá de un puñado de cintas pseudo-intelectualosas. Hay cosas de las cuales necesito hablar más que de cine.

Por ejemplo, mi soterrada obsesión en recuperar los espacios citadinos que poco a poco se han ido desvaneciendo. Como la tiendita de la esquina, la cantina sin intelectuales fresas y las calles empedradas.

La tiendita de la esquina… espacio que se desvanece ante la avalancha de Gual Marts, Gigantes y otras yerbas, pero del que aún quedan ejemplos mágicos en los que la compra de un méndigo litro de leche trasciende la mera transacción comercial y se vuelve un espacio para el intercambio de sabidurías eclécticas y mafufas, pero, ni como negarlo, profundamente esclarecedoras.

Pongo por ejemplo a Don Hilario y su Tendajón (cuando era niño me imaginaba que ahí sólo compraban los que eran pendejones), todo un ejemplo de el por qué este país está de la chingada y seguirá estando igual. Abre sus cortinas con el fresco de las 11 de la madrugada, y con esos huevotes que sólo puede tener quien toda su vida la ha pasado en el mismo barrio, cierra a las 2 de la tarde y no vuelve a abrir sino hasta las pinches ocho de la noche (si no se le olvida o sufre un ataque de horquitis).

Alguna vez, fumando el séptimo cigarro de la tarde y mientras renegábamos de nuestras infelices y miserables aficiones (al Atlas le estaban acomodando una retro-putiza), tuve un lapsus de esos estilo bien pinche sincerote y le pregunté:

- Oiga Don Hilachos, ¿por qué tiene tan poco tiempo abierto su changarro?

- Ah, pos… con el rato que tengo abierto de ahí sale, entonces… ¿pa’ que abro más rato?

Me pregunto si Don Hilario es nomás medio huevón, o ya descubrió el Santo Grial de los tendajones a fuerza de despachar kilos de huevo y bolillos salados. ¿O no será que los taqueros, tortilleras, repartidores de gas, boleteros, choferes, y demás saben algo que, el resto de los humanos desconocemos?

Jesús de Montreal: La tentación y la fe

Dirección: Denys Arcand
Guión: Denys Arcand:
Fotografía: Guy Dufaux
Edición: Isabelle Dedieu
Música: Yves Laferriere
Intérpretes: Lothaire Blueteau, Catherine Wilkening, Johanne-Marie Tremblay, Remy Girard, Roberte Lepage, Gilles Pelletier
Origen: Canadá, 1989
Duración: 120 minutos
Aspecto en pantalla: 1.33:1
DVD: Koch Lorber Video

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Cuando vean la abominación de la desolación, si están en la llanura, huyan hacia las montañas, si están en la terraza, no entren a la casa por sus cosas, si están en la carretera, no regresen a casa. Lloren por las que estén embarazadas ese día. Recen para que no suceda en invierno. Si alguien les dice “aquí está el salvador, ya llegó el salvador”, no le crean, ¡no le crean! Falsos salvadores. Falsos profetas. Los poderes de los cielos resquebrajados. Ni el día ni la hora.

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En la búsqueda constante de más adeptos, los dirigentes de una iglesia contratan a un joven actor para que escenifique la pasión de Cristo esperando que la puesta en escena haga que los creyentes (y los no tanto) pueda apuntalar su fe.

Pero las cosas no resultan como se esperaban ya que el actor se dedica a estudiar en todas las fuentes posibles con tal de darle más verosimilitud a los personajes, con el consiguiente desmayo de los religiosos ya que incluso se llega a afirmar en el transcurso de la obra que Cristo fue el hijo bastardo de un soldado romano.

En su momento esta cinta fue objeto de múltiples críticas por parte de los sectores ultra-conservadores que, por cierto, ni siquiera se tomaron la molestia de verla ya que, si así lo hubieran hecho, se hubieran encontrado con una cinta de un profundo sentido religioso que no hace sino cuestionar la imposibilidad de creer en la divinidad en el momento presente. En este sentido la cinta se relaciona con Yo te saludo María de Jean Luc Goddard y que también fue objeto de vilipendio por aquellos que hablan de moral, fe y buenas costumbres, pero que prueban las delicias de la carne de monaguillo.

En Guadalajara (la ciudad en la que sobrevivo) esta película fue exhibida en la hoy extinta Sala de Arte Gran Vía (a un costado de una iglesia), siendo objeto de múltiples ataques como la pinta que apareció en toda su fachada y que decía “No al cine ateo, muera el comunismo”.

Mirrormask: La hermosa (y vacía) fragilidad de los sueños

Dirección: Dave McKean
Guión: Neil Gaiman (historia original de Dave McKean y Neil Gaiman)
Fotografía: Anthony Shearn
Edición: Nicolas Gaster
Intérpretes: Jason Barry, Rob Brydon, Stephanie Leonidas, Gina Mckee
Duración: 104 minutos
Origen: UK, 2005
DVD: Sony Home Entertainment

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Helena, una niña casi adolescente, trabaja en un circo propiedad de sus padres. La rutina cotidiana de las actuaciones y la enorme presión que sobre ella ejerce su madre en particular hacen que desee escapar hacia una vida “normal”, pero la trágica enfermedad de su progenitora hace que en lugar de emigrar a un mundo alejado de la fantasía, emprenda un viaje en un mudo fantástico en el que la búsqueda de un amuleto puede ser la salvación de una vida.

Suena raro ¿no? . Lo que pasa es que cada vez me gusta menos contar puntos nodales de la trama y prefiero compartir mis impresiones, totalmente subjetivas y alejadas de las tira-netas. En este caso si bien Mirrormask es un prodigio del diseño y del uso de efectos visuales y CGI, mientras la veía en una de mis sesiones de insomnio me hizo pensar en lo hermoso que es un castillo de naipes. Hermoso pero frágil.

Así pasa con Mirrormask ya que toda la tecnología no puede ocultar una trama endeble, un ritmo lentolentolento y una protagonista con la misma capacidad expresiva de una bolsa de detergente Foca.

No con lo anterior quiero decir que no valga la pena, de hecho hay imágenes de una fuerza extraordinaria y algunos personajes secundarios realmente entrañables, pero es el conjunto donde el director no supo (o no quiso) ofrecernos algo más que un enorme (y delirante) festín visual.

Candy for the eyes, dirían los angloparlantes.

Nido familiar: compartiendo la locura

Dirección : Béla Tarr
Guión: Béla Tarr
Fotografía: Barna Mihok
Edición: Anna Kornis
Intérpretes: Laszlone Horvath, László Horváth, Gábor Kun,
Música: János Bródy, Mihály Móricz, Szabolcs Szörényi,
Origen: Hungría, 1979
Duración: 100 minutos.
Aspecto en pantalla: 1.33:1
DVD: Filmoteca Fnac

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No meteré a la niña en un asilo sólo porque no tengo una casa. Tengo una hija para poder vivir juntas. Criarla, que sea tu alegría, pero no de esta manera. Para empezar somos 11 personas embutidas en un cuarto, además, nos echarán y acabaremos bajo las estrellas, y luego vamos a tener que vagar. Hago lo posible por darle lo mejor a mi hija. Como ahora, que no tenemos casa, no puedo dejar que duerma en la calle, ¿qué voy a hacer?, no le puedo decir que no tenemos casa. Si pudiera conseguir una casa sería maravilloso, no me importaría dormir en el suelo de madera o de piedra, de lo que sea. Sería maravilloso.

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En un pequeño apartamento (un cuarto, una cocina, un baño), sobreviven un hombre entrado en años, su esposa, su hijo, su nuera y la hija de esta. La llegada de otro de los hijos desencadena una crisis brutal en la que la falta de espacio desbarata cualquier posibilidad de diálogo o entendimiento.

Lo que aparentemente es sólo una búsqueda del espacio para vivir como seres humanos nos permite asomarnos al horror de la convivencia forzada en la que lo más doloroso no es precisamente el no tener una puerta para cerrar y aislarse del mundo, sino la brutalidad, el acoso, la humillación y el desprecio de aquellos que, se supone, deberían ser el respaldo ante un medio empobrecido y desolado.

Este primer film de Bela Tarr, cineasta prácticamente desconocido en México, resultó toda una sorpresa para el que esto escribe ya que con una economía de medios sorprendente, nos presenta una radiografía de las casi imposibles condiciones en que tenía que sobrevivir los trabajadores húngaros a finales de los años setenta.

Mientras en el mismo año se estrenaba en todo el mundo Star Wars, Bela Tarr llamaba la atención sobre los desesperados, los solitarios y desposeídos, los que aún y a pesar de todo no perdían la esperanza.

Peeping Tom: Te gusta mirar, ¿o no?

Dirección: Michael Powell

Guión: Leo Marks

Fotografía: Otto Heller

Edición: Noreen Ackland

Música: Brian Easdale

Intérpretes: Carl Boehm, Moira Shearer, Anna Massey, Maxine Audley

Origen: Uk, 1960

Duración: 1:39

DVD: Universal

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¿Sabes que es lo más espantoso? El miedo. Así que hice algo muy simple. Cuando sintieron la hoja en la garganta y sabían que las iba a matar, las obligué a que vieran su propia muerte. Las obligué a ver su propio terror cuando les clavé la hoja. Y si la muerte tiene rostro, también lo vieron.

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Muchos años antes de que David Lynch nos enfrentara a los abismos más recónditos de la perversión del ser humano, Michael Powell sacudió al mundo del cine con Peeping Tom, obra enloquecida sobre el voyeurismo y la fascinación con la muerte en directo y que, a pesar de encontrarse cerca de cumplir medio siglo de haber sido filmada, no ha perdido ni un ápice en su capacidad de sacudir al espectador.

¿Y por qué sigue impactando?, porque desde el primer plano de la cinta, y mediante el uso magistral de la cámara subjetiva, nos convertimos en cómplices de Mark Lewis (Carl Boehm), el fotógrafo con tintes psicóticos fascinado con la posibilidad de capturar en celuloide la agonía de sus víctimas y el rostro mismo de la muerte.

Pero la perversión no surge de la nada. Mediante el uso de flashbacks en forma de películas caseras, presenciamos el proceso de tortura de Mark por parte de su padre, mismo que al querer comprobar sus teorías sobre las reacciones del sistema nervioso ante el miedo, somete a su hijo a una serie de experimentos bizarros con el solo propósito de filmar sus expresiones de pánico.

En su momento la crítica especializada calificó a esta cinta como morbosa, pervertida y despreciable, pero con el paso del tiempo fue reconocida como una obra totalmente original y por consiguiente, adelantada a su tiempo.

Como detalle curioso, el director de esta cinta interpreta al padre torturador.